Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con “Love Tattoo” (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.

Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. “Mayhem”, que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.

El single “Psycho”, disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en “Love Tattoo” encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.

Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención “Pulling the Rug“, el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran “Johnny got a boom boom” de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como “All for you”, “Proud and humble” o su versión del ya clásico de los ochenta “Tainted Love”. ¿El resto? Canciones más melancólicas como “Too sad to cry”, más folkies, como “Kentish Town Waltz” y otras con vocación de single, como el ya mencionado “Psycho” o el que le da título al álbum, “Mayhem”.

En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.

Puedes escuchar Mayhem en Spotify!

Recién anunciada la salida de este segundo álbum de la soprano finlandesa Tarja Turunen, en su etapa en solitario tras su época pasada en Nightwish, nos disponemos a oírlo. Su primera entrega fue un tanto decepcionante, su potencial vocal no acababa de definirse en un género. Se rodeó de grandes músicos, pero los temas no eran claros en sus estructuras y oscilaban a medio camino entre el metal, el new age y las atmósferas de bandas sonoras. De cualquier modo, sólo por su gran calidad vocal, decidimos atacar esta nueva entrega: “What lies beneath“.

Y cuál es nuestra (grata) sorpresa, cuando descubrimos que la indefinición y los claroscuros de su primera entrega han sido ampliamente superados. Establece su sonido y nos deja claras cuáles son sus cartas: melodías interesantes, sorpresas armónicas, arreglos orquestales y coros para apoyar su voz, el mayor valor que posee. En este disco, Tarja apuesta por el metal sin reservas, la esfera donde el público más la aprecia, y ofrece once temas que no hemos tenido más remedio que analizar uno por uno.

1. Anteroom of Death w. Van Canto: Su introducción, la paertura del disco, nos sorprende. Alguien entra y se sienta a un clave, afinación. Empieza el tema con un estilo barroquizante y acústico, pero la entrada del estribillo nos coge desprevenidos: tempo contrastante y armonías inesperadas, pero solo por un momento. La estrofa crece al incorporarse la base rítmica de la banda. Vuelta al estribillo, que sigue desconcertando, pero ya nos hace querer volver a oírlo. Aparece entonces un puente con unas vocalizaciones al más puro estilo Tarja, ya sabemos donde estamos. Y de golpe, austeridad y entrada del conjunto vocal metal Van Canto: reminiscencias de power metal y de la intensidad épica que este género comporta culminando en la nueva entrada de la banda. Absolutamente impresionante, y aún más, al entrar las vocalizaciones de Tarja. Y de nuevo el estribillo, más intenso que nunca, hasta el final del tema. Original, arriesgado y acertado. La primera, en la frente.

2. Until my last breath: Más convencional, nos da un respiro tras el primer corte. Con una melodía introductoria pegadiza y una base potente, presenta una estructura muy clara y posee un estribillo pegadizo, propio de muchas bandas de la zona. Single absoluto.

3. I feel inmortal: balada que desde el principio promete intensidad, con todo y que la instrumentación y arreglos no son los típicos del género “oscuro”, sino que cuentan con atmósferas amplias que recuerdan más a la new age. El diseño melódico del estribillo solo pueden permitírselo voces como la suya, y pese a la sorpresa inicial, resulta ser emocionante. Uno de los cortes más expresivos del álbum.

4. In for a kill: según ella describía, “su tema para película de James Bond”. Aparecen los bajos marcados y rítmicos desde el principio, y el estribillo nos ofrece uno de los highlights de la voz de Tarja, que aunque con una resolución un tanto difusa debido al gran vibrato utilizado, merece la pena sin dudarlo. Interludio orquestal que inevitablemente nos recuerda a Nightwish: pero somos de la opinión, que por buen motivo, siempre es bueno recordar los buenos momentos. Tema indiscutible.

5. Underneath: bajamos la adrenalina con la segunda balada. Melancólica y con tintes cinematográficos, nos sigue demostrando la versatilidad de esta gran vocalista, que puede presentarse dulce y pequeña o grande y poderosa, con una emisión impecable. Solo de guitarra que siempre se agradece a los que nos gusta el metal clásico y final a lo grande, para cerrar quedamente con un acorde mayor esperanzador desarrollado por la orquesta.

6. Little lies: guitarras potentes con un riff marcado que recuerda a bandas como Rammstein, y que pronto se transforma en una línea de bajo más que interesante. Estribillo más convencional seguido de coros a los que se incorpora el riff de entrada. Así, un tema interesante, que juega con coros, los riffs más duros que ha presentado hasta el momento y una melodía simple y pegadiza, ejecutada con un timbre limpio y directo. ¿Suena paranoico si le encontramos un toque vampírico?

7. Rivers of lust: Presentación austera del tema, con melodías líricas que de nuevo hacen lucirse a Tarja y un crescendo textural en el centro, para cerrar otra vez quedamente. Un acierto en el ritmo del disco.

8. Dark Star w. Phil Labonte. Y ahora toques orientalizantes y una distorsión fascinante en la guitarra. Y sorpresa, un toque electrónico en las bases que le sienta de maravilla. Nuevamente un tema convencional en el diseño, aunque la voz rasposa de Phil Labonte aporta un toque de novedad al álbum y al contrastar con Tarja produce un gran efecto.

9. Falling awake w. Joe Satriani. Los créditos del tema dan buenas expectativas y es que el single elegido para presentar este álbum es redondo. Buena base, buena melodía, suficientemente original para dar buena impresión, pero sin pasarse en las rarezas.  El toque de calidad Satriani, sin comentarios. Uno de los temas más destacados del álbum en todos los sentidos: no hemos podido hacer una sola escucha sin acabar con un headbanging.

10. The archive of lost dreams: A capella para empezar y acompañamiento a lo new age, y por contraste con lo anterior, nos deshace. Un respiro.

11. Crimson Deep w. Will Calhoun: Y el cierre del disco no podía ser más espectacular. Si ya el acompañamiento de Doug Wimbish al bajo era impresionante, incorporarle a su compañero batería en Living Colour, Will Calhoun, le otorga una profundidad y una pegada a este tema que ya quisieran muchos.  Impresionante sonoridad para un cierre de lujo.

Escucha “What Lies Beneath” en Spotify!

Saludos!

Tras un mes de agosto caluroso y relajado, volvemos a la carga para atacar al nuevo curso. Y es que, no sabemos porqué, pero nos gusta seguir el calendario escolar. Quizás sea costumbre, quizás que es un ciclo más acorde con las estaciones y la vida en general; sea como sea, Septiembre recomienza y nosotros con él. Desde este pequeño espacio, prometemos seguir ahí hablando de música, que es lo que más nos gusta. Y con ella empezamos, además, desde muy cerca.

Como cada año, en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) se acaba el verano y se despide a lo grande: con la Festa Major d’Estiu. Además de la programación oficial de las fiestas, que traerá entre otros, a viejos conocidos como Peret y Los Manolos o a productos de última hornada como Els Amics de les Arts o Delafé y las Flores Azules, una cita se ha convertido en imprescindible desde hace varios años para aquellos a los que les tire el indie: el Festival Sintonitzza. Ya hablamos de él en su edición pasada, y toca volver a hacerlo, por si aún no había quedado claro, se trata de una de las apuestas fuertes de la música en directo, y además, gratuita.

Dos días, mejor dos noches, en que subirán al escenario nombres como Mujeres, Arizona Baby o Cápsula; aunque la gran atracción del festival serán dos grandes bandas: Standstill y Los Coronas, referencias indiscutibles de nuestra música nacional de calidad.

Antes que seguir despiezando el festival, preferiremos presentaros una iniciativa más y con ella cerraremos nuestro primer post de la temporada. Se trata de un nuevo portal de Internet, dedicado precisamente a la ciudad a que nos referimos: www.santakomola.com Recién nacido en el mundo virtual, apunta maneras y promete ser un lugar de referencia tanto para locales como para foráneos que busquen acercarse sin prejuicios a esta ciudad que, cada vez más, tiene mucho que ofrecer. Os enlazamos la noticia publicada sobre el Festival Sintonitzza.

Y con estas dos ideas, ¡os deseamos sin más un buen inicio de curso!

Y ese es el caso del grupo que os presentamos hoy. Barcelona es su punto de partida, y respecto a su estilo, ellos mismos lo definen como una mezcla entre rock y electrónica; nosotros lo refrendamos con su propio nombre: “El arte de volar“. Elegancia y buen hacer es lo que se transluce en su trabajo de presentación: Posible repertorio en estructura piramidal. Cortes como “Nos vamos” o “Facer nada” son pequeñas joyas de letras trabajadas y evocadoras, que las voces de Sandra de Victoria y Koke Alejo se encargan de relatar sin agobios ni prisas, de manera limpia y deslizante.

Descarga su álbum haciendo click aquí

Empecemos por completar una frase: Te gustará Magnética si te gusta…
El brit-pop con letras en castellano. Hacemos canciones para quien las quiera escuchar.
    
 Los primeros álbumes suelen surgir por necesidad. En vuestro caso, ¿qué fue lo que os empujó a sacar adelante este “Maida Vale”?
Volvimos de Inglaterra con bastantes temas, y la mayoría estaban llenos de sentido para nosotros. Lo vimos claro: queríamos grabar un disco.
Al principio esa era nuestra única pretensión, fue a medida que avanzaban las cosas cuando decidimos tirar para adelante con la creación del sello y todo lo demás. Lo cierto es que hemos estado muy bien aconsejados en el proceso y estamos muy contentos con el resultado.
  
Nos ha gustado mucho vuestro clip. ¿Qué podéis contarnos sobre su proceso de grabación?
Pues se grabó en Barcelona. El video esta realizado por Lyona y todo lo que podemos tener hacia ella y su equipo son palabras de agradecimiento.Trabajar con ellos es muy fácil, son unos estupendos profesionales y los días que pasamos allí estuvimos muy a gusto. A ver si repetimos.

Todo local de ensayo tiene sus fetiches. ¿Qué encontramos en el local de Magnética?
Pues la verdad es que no somos demasiado maniáticos para eso. El local es un sitio en el que pasamos mucho tiempo, por lo que tratamos de tener todo lo indispensable para encontrarnos a gusto, pero nada extravagante. Más allá de eso nada en especial.
       
Tanto el origen del grupo como el de vuestro álbum se encuentra muy ligado al Reino Unido. ¿Qué hay de este país en vuestra música?
Nos consideramos afortunados de haber vivido aquella experiencia londinense porque fue el caldo de cultivo de este proyecto. De una manera más visible se puede decir que musicalmente el álbum puede aproximarse a la corriente Británica, pero hay más. Fue allí donde se compusieron la mayoría de temas incluidos en Maida Vale y a eso nos llevo una serie de experiencias que allí vivimos que resultaron determinantes.
 
En un entorno digital cada vez más saturado de información donde uno ya no sabe casi dónde mirar, ¿con qué ventajas e inconvenientes se encuentra un grupo novel?
Tienes razón cuando dices lo de la saturación en la etapa digital en la que vivimos; pero nosotros preferimos verlo con buenos ojos y pensar que nos beneficia en el sentido de que estamos ahí, como el resto, en esa selva de información. Tenemos que trabajar duro para destacar un poco y eso es lo que queremos y lo que estamos haciendo…
 
¿Qué planes os esperan durante este año?
La gira comenzara en Otoño, sobre Septiembre-Octubre, y la idea es recorrer el mayor número de salas posibles. Tenemos muchas ganas.

¡Y pasamos al test!
 
Una canción que os gustaría haber escrito: Creep, de Radiohead.
Un lugar para perderse. Lisboa
Un superhéroe. Superñoño
Una película inspiradora.  Big Fish
Un directo es… Lo que más nos divierte y mas queremos cuidar.
Estadio, teatro o sala: sala
 Un sueño por cumplir: Seguir vivos en esto.

Puedes seguir a Magnètica en su web oficial: www.magneticaonline.com o en su MySpace!

Para empezar, en los días de ayer y hoy he podido asistir a las jornadas Digital Music 2.0 en el marco del Festival Sónar, donde en varias mesas de debate se ha discutido el estado del negocio musical, las nuevas tendencias, la viralidad, las redes sociales,… Tras unas cuantas horas de reflexión colectiva, no es fácil sacar conclusiones, y menos cuando la música electrónica retumba en tus oídos al salir del Auditorio. No disertaremos ahora sobre las posibles vías de escape del show business, sobretodo porque, pese a lo interesante de esta experiencia, he de unirle otra más.

Esta noche, en una pequeña sala de sonido incómodo, un grupo pequeño ha presentado su primer largo en concierto, titulado En defensa propia. Ellos son Un poeta en paro, un grupo al cual tuve ocasión de entrevistar hace unos meses. Esta vez, he podido participar con ellos de manera directa, ofreciendo mi violín en uno de los temas del concierto. Y realmente, tras dos días de disertación en abstracto sobre la música, el negocio, los millones de fans, el “monetizar” las iniciativas, entre otras muchas cuestiones, el contraste ha sido increíble. Un grupo de personas presentando lo que ellos saben hacer, para un público familiar: el escenario, además, enriquecido con colaboraciones especiales, músicos, amigos.

En definitiva, un clima más que agradable, donde pese a las dificultades del espacio, había algo que lo compensaba. Ese algo era la música en esencia, más allá de presupuestos, más allá de estrategias de marketing. Siendo honestos, sabemos que de la esencia no se come, y en algún momento hay que volver a bajar a la tierra. Pero experiencias como la de estos cuatro chicos son las que me hacen creer que no todo está perdido. ¿Resistirán? ¿Soportarán el cansancio? ¿Darse cabezazos contra el muro? No lo sé, pero, sea como sea, si son capaces de guardar una pequeña parte de la ilusión y las ganas que han mostrado esta noche, no podré saber cuál será su meta, pero éstoy segura de que disfrutarán en el camino.

Y desde LibertadSonora me aplico el cuento. Quizás no seamos el espacio más amplio, el más visitado ni el más trendy. Pero si con estas líneas contribuimos a que esta magia siga existiendo, valdrá la pena. Disfrutemos el camino.

Haz click para ver la imagen a tamaño completo!

Este gesto responde a una convicción personal del grupo, que afirma que “como músico, sale más barato regalar un disco en España que intentar venderlo con una multinacional“. Quizás tengamos suerte y nos topemos con alguno de estos discos mañana. Hemos de reconocer que ¡no es un mal aliciente para ir a trabajar en el suburbano!

Web oficial de The Pinker Tones

Una cosa nos llama la atención. En la web del festival, no existe el apartado “Artistas“. En su lugar hallamos el indicador “Bandas“. Muy  pero que muy buen comienzo.

Jueves 8. Rammstein. ¿Qué decir de estos alemanes? Con un sonido potente y definido, además de una espectacularidad pirotécnica en escena, cada uno de sus conciertos supone una descarga de energía y adrenalina. La densidad de sus guitarras y lo marcial de sus ritmos se aprecia tanto en temas como “Engel“ (Sensucht, 1997) o ”Mein herz brennt” de su álbum Mutter (2001) como en sus últimas entregas, presentes en su álbum “Liebe ist für alle da”. Siempre provocadores, su concierto promete.

Skunk Anansie en una imagen promocional

El mismo jueves, Skunk Anansie, un grupo de enorme personalidad, en gran parte gracias a su vocalista Skin, quien cataloga su estilo como “clit-rock”, una mezcla entre heavy metal y rabia post-feminista, características perfectamente perceptibles en temas como “Weak” (1995) o su más recinete “Because of you“. Tras diez años después de su separación se reúnen para presentar su grandes éxitos Smashes and Trashes. Increíbles.

No olvidemos a Slayer. De acuerdo, no es posible, así que retiro la recomendación. Ya veteranos, los que podríamos considerar como más duros del cartel, llevan en activo desde 1981, año en que debutaron con Show no mercy. Aunque su apogeo llegó con Reign in blood (1986), por muchos situado entre uno de los mejores discos de metal de la historia. Sobre la batería  de Dave Lombardo, desquiciante pero perfecta en su técnica, rodarán los temas en la noche del jueves. Quizás rueden algunas cabezas…

Otros nombres de esta noche serán Rage against (con nuevo material bajo el brazo), Bullet for my valentine (nuevas tendencias en el género), Volbeat (con una voz limpia y clara sobre bases de ritmo acelerado) Anti-Flag (punk-rock americano) o Rise to Fall (la apuesta local a la noche metalera).

Viernes 9. Pearl Jam. Eddie Vedder y su particular voz, acompañados por su banda, llegan desde Seattle. Dando que hablar desde principios de los 90, se convirtieron en una de las bandas de más éxito del momento tras su debut Ten (1991), que incluía temas que quedarían en el recuerdo como “Alive” o “Even Flow“. Pero afortunadamente, la cosa no quedó ahí. Los australianos de la “mermelada de la abuela de Eddie” no han parado y ahora vuelven con un nuevo álbum Backspacer. Recordemos que uno de sus puntos fuertes es su directo. ¡Imprescindibles!

Y no nos movemos de la escena grunge de los 90 con Alice in Chains. Y de nuevo a Seattle para encontrarnos con otro histórico grupo de rock bien entendido, creador de temas como “Man in the box” o “Change my brain“. En esta ocasión vienen también con nuevo trabajo bajo el brazo: Black gives way to blue, editado el pasado 2009. 

Bandas como The Smiths o más tarde Oasis se declararon en algún momento inflenciados por él. Él es Paul Weller, quien fuera líder de The Jam, uno de los grupos más reconocidos en la era punk de la Inglaterra de los 80. También presenta nuevo trabajo, su recién estrenado Wake up the nation.

Otros nombres del viernes son Gogol Bordello, Coheed & Cambria, Biffy Clyro o Cápsula.

Sábado 10. Faith no More. Banda de culto, fusionan en su propuesta elementos propios del heavy metal, del hip hop, del funk y del rock progresivo. Tras más de 25 años de carrera, siguen en activo, y pese a no haber publicado material nuevo recientemente, sólo escuchar en directo temas como Midlife Crisis o Epic deberían ser motivo suficiente como para asomarse a esta banda originaria de San Francisco.

Y para terminar, más nombres de la noche del sábado: The Maccabees, Band of Skulls o  Jet (no estaban muertos, estaban… por ahí. Pero son rock en estado puro!).

CONCLUSIÓN: Podríamos decir que sí: aún existe el buen rock (y no será la única muestra, como veremos en días sucesivos), y una gran ocasión para ver tanto a apuestas recientes como para revivir grandes momentos pasados o retornos inesperados es sin duda, el BBK Live.

por José Montes

Leo en las noticias musicales que Roger Waters, se lanza de nuevo a una gira mundial, esta vez celebrando el 30 aniversario de The Wall (El Muro), lo cual me lleva en esta mirada retrospectiva a situarnos en Septiembre de 1977.

Recién terminada la maratoniana gira de Animals, que duró seis meses y aterrizó en nueve países diferentes incluyendo por primera vez grandes estadios, Waters se sentía horrorizado: veía que algo tan personal como eran sus canciones terminaban siendo “un ritual circense sin sentido”.

En su vuelta a casa, Waters afirmó que si Pink Floyd realizaba otro gran espectáculo en directo, este sería prácticamente detrás de un…muro. Y nunca mejor dicho. 

Tras un largo período de reclusión en la casa que tenía en el campo, se presentó ante el resto de la banda con un proyecto que llevaba largo tiempo dando vueltas en su cabeza. En principio, su idea era lanzarlo al mercado en solitario, pero debido a los problemas financieros que atravesaba la banda (habían sido prácticamente estafados por un joven contable, Andrew Oscar Warburg, que les ocasionó graves problemas con el fisco), y al recibir un adelanto de 4.5 millones de CBS y EMI, la decisión estaba tomada.

The Wall terminaría siendo un doble disco con 27 cortes. Ante un proyecto tan complejo y ya que sus diferencias musicales con David Gilmour eran cada día mas evidentes, Roger Waters decidió incorporar un coproductor, Bob Ezrin, que a la postre fue vital su mediación entre ellos para conseguir sacar adelante el proyecto. 

El disco traza un camino diferente en la música de Pink Floyd. Destacar una u otra canción sería un poco absurdo, ya que la obra  en sí es una línea de principio a fin. Éste retrata la vida de una estrella ficticia del rock,  “Pink”, cargada con todos sus traumas, la muerte de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, una madre sobreprotectora, la opresión de la educación británica, sus fracasos sentimentales y la gran presión de ser una gran figura del rock, el uso de las drogas y un “asma” enfermizo, hacen que vaya creando su mundo de fantasía autodestructiva detrás de su muro. Este es un argumento que es, en gran parte, autobiográfico del propio Waters, ya que en su vida hay muchos hechos similares a los de la vida de “Pink”. 

Los efectos de sonido fueron superiores a otros discos de Pink Floyd: helicópteros, bombarderos, llantos de bebé, voces de patio de escuela, marcaciones de teléfono y un largo etcétera de voces y sonidos, que van tejiendo y uniendo toda la obra entre sí. Los arreglos orquestales, corrieron a cargo de Michael Kamen, para lo que contó con una orquesta de 55 músicos. La calidad de sonido final fue excelente.

En cuanto a aportaciones individuales, la aportación musical de Dave Gilmour fue la siguiente: coescribir “Run like hell”, adaptar a su estilo “Young Lust”, y el gran acierto; rescatar una canción suya descartada, “Comfortably Numb”, que terminaría siendo una de las perlas del disco, además de ayudar a Roger en la música de las diferentes canciones.

Con lo que podemos afirmar que The Wall es la gran obra de Roger Waters, ayudado por Dave Gilmour; los otros dos componentes de Pink Floyd, Nick Mason a la batería y Richard Wright (que figuraba como músico contratado debido a las diferencias con Waters) a los teclados, solo aportaron su parte en la interpretación, más que en el concepto del álbum.

La grabación del disco se realizó entre abril y noviembre de 1979 y se publicó el 30 de Noviembre de ese mismo año. El resultado: un gran éxito comercial, el single “Another brick in the wall (part 2)” disparó las ventas del álbum, pasando a ser uno de los más vendidos de la historia del rock. 

En la crítica de la época se dijo de todo. Yo me quedo con la frase de Chris Brazier, crítico de la revista Melody Maker: “No estoy seguro si es brillante o terrible, pero a mí me resulta totalmente irresistible”. 

De su gira espectacular pero ruinosa,  la película de Alan Parker y de las continuas representaciones de la obra (la más popular, la organizada por Roger Waters en 1990 con motivo de la caída del muro de Berlín), hablaremos en otro momento.